Eine Ausstellung über Künstlerinnen – als Frau fühle ich mich angesprochen und bin neugierig was es mit der Festlegung auf das weibliche Kunstschaffen auf sich hat. Über drei Etagen werden Kunstwerke von Konkreten Künstlerinnen vorgestellt. Verständlich – es gibt auch eine Menge zu zeigen, um die Geschichte der konkreten Kunst zu vervollständigen. Neben Werken von 12 Künstlerinnen gibt es 5 Galeristinnen zu entdecken, die sich darum verdient gemacht haben, Frauen – insbesondere Konkrete Künstlerinnen – in ihrem Kunstschaffen zu unterstützen und bekannt zu machen.

„Mind-Map“

Um das Netzwerk sichtbar zu machen, wurden die Künstlerinnen, Galeristinnen und Gruppen – in denen sie sich organisiert haben – in einem Schaubild an der Wand gezeigt.

Deutlich werden in dieser Visualisierung besonders die zahlreichen Bezüge zu Stuttgart sowie die Verbindungen nach Paris und Zürich. Die männlichen Akteure treten in den Hintergrund. Während ihnen nur ein Städtename zugeordnet wird, sind die weiblichen Akteurinnen mit einem Porträt und einem eigenen Knotenpunkt hervorgehoben. Anhand des Netzwerk-Diagramms werden die Verbindungen zwischen den einzelnen Künstlerinnen und Galeristinnen allerdings nicht deutlich. An dem Schaubild ist nicht zu erkennen, ob die Künstlerinnen allein durch ihre Mitgliedschaft in Künstlerkollektiven oder über andere Wege miteinander in Kontakt standen. Bei den Künstler:innengruppen wurde die Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) nicht erwähnt, zu deren Gründungsmitgliedern Vera Molnar gehörte und der sich auch Lily Greenham anschloss. Diese Vereinigung bestand zwischen 1960-1968 und beschäftigte sich mit kinetischer Kunst. Unklar bleibt, wieso dieser Kontext zu Molnar und Greenham nicht mitaufgeführt wurde, obwohl in der Literatur die Verbindung zu GRAV erwähnt wird.

Künstlerinnen

Positionen, die in der Ausstellung abgedeckt werden, sind die von gut bekannten Pionierinnen wie Sonia Delaunay, Sophie Täuber-Arp, Marcelle Cahn oder Aurelie Nemours. Vera Molnar, die als einzige der vorgestellten Künstlerinnen noch lebt, steuert eine aktuelle Arbeit zur Ausstellung bei. Für mich gab es neben den zahlreichen bekannten Künstlerinnen auch zwei neue Namen zu entdecken – Mary Vieira aus Brasilien und Katarzyna Kobro aus Polen.

Eine Verbindung, die nicht aus der Mindmap herauszulesen ist, wird in der Ausstellung allerdings anhand eines Werkes von Vera Molnar sichtbar. Sie nimmt mit dem Titel ihrer Arbeit „Hommage à Sonia Delaunay“ Bezug auf eine Verbindung der beiden Künstlerinnen während Molnars frühen Schaffensphase in Paris.

Als ich vor dem Bild Hommage à Sonia Delauney stehe, zieht es mich wieder zurück in die Etage darunter, um die ausgestellten Gemälde von Sonia Delauney noch einmal im neu erschlossenen Kontext eingehend zu betrachten. Meine spätere Recherche hat ergeben, dass Molnar als 23-Jährige von Budapest nach Paris kam und dort in das Atelier und das Umfeld Sonia Delaunays eingetaucht ist. Diese erste Begegnung von Molnar mit konstruktivistischen und abstrakten Positionen in Paris machten wohl einen großen Eindruck auf sie. Später malte sie drei kleine Aquarelle, die sie Sonia Delaunay widmete – eins davon ist in der Ausstellung in Stuttgart zu sehen. Das Kunstwerk war der Auftakt zu ihrer Werkreihe „Hommage à…“, innerhalb derer sie verschiedenen Künstler:innen, die sie auf ihrem Weg inspirierten, ihre Aufwartung macht. Es ist ein besonderer Glücksfall, dass man nur den Raum wechseln muss, um die Bezüge herzustellen und Delaunay in Molnar zu entdecken.

Archivalien

Die Ausstellungsmacherinnen haben hier – trotz der noch wenig erschlossenen Archive der Galeristinnen – eine Vielfalt an Exponaten ausfindig gemacht. Diese befinden sich sowohl in mehreren (sehr bemerkenswerten) Vitrinen innerhalb der Ausstellung als auch im dazugehörigen Katalog. Beispielsweise die Einladung zur Ausstellung von Verena Loewensberg von 1958:

Ausstellungsarchitektur

Die außergewöhnlichen Sitzmöbel, die Studierende der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart extra für die Ausstellung anfertigten, laden zum längeren Verweilen ein und schaffen Plätze zum Ausruhen und vertiefenden Betrachten. Beim Schaffensprozess ließen sie sich von den Formen und Farben der Kunst in den Räumen inspirieren und schufen so bemerkenswerte Unikate. So findet sich in dem Raum von Sonia Delaunay ein kreisrunder Teppich, der an der Wand befestigt ist und gleichzeitig mit dem Fußboden verschmilzt.

Er lädt dazu ein, sich dort drauf zu stellen und angelehnt an die Wand den Raum auf sich wirken zu lassen. Eine ungeheuerliche Vorstellung, die mir als Besucherin erst gar nicht bewusst war, da das Berühren geschweige denn das Anlehnen an eine Wand im Ausstellungskontext sonst strikt untersagt ist. So habe ich erst einmal versucht, den Teppich dem Werk Delaunays zuzuordnen – als das nicht gelang, wurde mir mein Fehler klar – und ich habe mich draufgestellt.

Die wunderbare Wippe vor dem Bild Rythme Couleur 1968 befähigt die Besucher:innen die Bewegung des Bildes aufzunehmen und sich bei seiner Betrachtung hin und her zu wiegen. Diese Form der spielerischen Begegnung mit Kunstwerken ermöglicht es, einen ungewohnten und ungewöhnlichen Standpunkt einzunehmen.

„Was machen denn die Männer hier?“

Eine Irritation bot die Feststellung, dass es doch Kunstwerke von Männern in die Ausstellung geschafft haben. Der Audioguide bietet hier eine hilfreiche Information. Unter der Überschrift Was machen denn die Männer hier? wird mein Befremden aufgenommen und erklärt. Durch die Gegenüberstellung werden nicht nur Inspirationsquellen aufgezeigt, es wird auch deutlich gemacht, dass die Frauen eigene künstlerische Wege gehen und sich von ihren Lehrern und Mentoren abgrenzen. Die Idee ist zwar gut, aber an der Umsetzung hapert es an einigen Stellen. So hängen in einem Raum Fernand Légers Les deux femmes et la nature morte und das Werk Voilier seiner Schülerin Marcelle Cahn. Da der restliche Raum ausgefüllt ist von weiteren Kunstwerken Cahns, ist es eine Verbindung, die untergeht. An anderer Stelle werden die Verbindungen so sehr hervorgehoben, dass man den Eindruck bekommt, man könnte als Künstlerin keinen eigenen Ausdruck finden, ohne vorher bei jemandem gelernt zu haben. Deutlich wird diese Hervorhebung bei den Arbeiten von Max Bill zu Mary Vieira und und den Arbeiten von Charlotte Posenenske, die neben einem Gemälde Willi Baumeisters angeordnet sind.

Leerstellen

Es ist wichtig, den Finger noch tiefer in die Wunde zu legen und zu untersuchen wieso die offensichtlich zahlreichen und begabten Künstlerinnen bis heute in der Kunstgeschichtsforschung und in der öffentlichen Wahrnehmung eine Leerstelle einnehmen.  Die Ausstellungsidee die Arbeit von Galeristinnen und Künstlerinnen sichtbar zu machen und Künstler:innen-Kollektive mehr in den Fokus zu rücken ist ein wichtiger Schritt in die richtige Richtung. Dennoch bleiben für mich noch einige Fragen zu der Arbeit der Galeristinnen und den Netzwerk-Strukturen offen, die auch der Audio-Guide nicht beantworten konnte. Im Katalog dagegen findet man eine ausführlichere Beschäftigung zu dem Thema. Mit dem Aufsatz Der Kunsthandel als Männerdomäne? Überlegungen zu einer Geschichte der Kunsthändlerinnen und Galeristinnen von Nadine Oberste-Hetbleck, die als Direktorin des ZADIK sozusagen aus einer Quelle des Gegenstandbereichs schöpfen kann, wird das Thema unterfüttert.

Fazit

Wer Interesse an Konkreter Kunst hat und spannende, sensorische Erfahrungen während der Bildbetrachtung erleben will, wird in der Ausstellung zwischen system&intuition fündig. Die Aufteilung der Räumlichkeiten fordert mal auf von Raum zu Raum zu schlendern, mal lässt sie den Blick frei auf mehrere Kunstwerke innerhalb einer großen Ausstellungsfläche.

Es entsteht eine Art künstlerische Einheit zwischen den Ausstellungsstücken der Vierkantrohre Serie (DW 1967) oder den 8 Reliefs der Serie C 1967 von Charlotte Posenenske und den Unikaten der Studierenden der Akademie. Wippen, Stehen, Sitzen, Liegen, Schauen, Zuhören – all das ist in der Ausstellung möglich. Auch die Sitzgelegenheit und der Teppich auf dem Boden laden dazu ein, der Audiodusche von Lily Greenham im Liegen zu Lauschen.

Meine volle Empfehlung hat der Ausstellungsbesuch! Wer es bis zum 17. Oktober 2021 nicht geschafft hat, der kann zumindest im passenden Katalog einen weiteren Eindruck und einen tieferen Einblick in die Ausstellung und die Forschung dahinter erhalten.

Das Anliegen, die bis dato im Hintergrund gebliebenen Akteurinnen dem Vergessen zu entreißen und sie in den Vordergrund zu spielen, wäre auch über die Gestaltung des Katalogeinbandes denkbar. Die verlagsinterne Realisierung verzichtet auf diese Chance. Ebenso hätte die Möglichkeit bestanden, ein noch nicht rezipiertes/weniger beachtetes Kunstwerk der Konkreten Künstlerinnen sichtbar zu platzieren, anstatt Femme et Voilier von Marcelle Cahn als Plakatmotiv auszuwählen, da es schon für die Ausstellung Sturm-Frauen in der Schirn Kunsthalle Frankfurt 2015 Verwendung fand.

Dennoch schmälert diese kleine Kritik nicht das Vergnügen an der Entdeckungsreise.

Das Kunstmuseum Stuttgart ist zum Museum des Jahres 2021 gekürt worden. Nicht zuletzt mit dieser Ausstellung unterstreicht es seinen „besonders weit gespannten Blick“, den die Kritiker:innen als Kriterium für die Auszeichnung hervorheben.

TIPP Die Kunsthistoriker:innen sind seit einiger Zeit bemüht, die Versäumnisse in Bezug auf weibliche Kunstgeschichtsschreibung nachzuholen und Lücken zu schließen. Deswegen gab und gibt es Ausstellungen und Literatur zu weiblichen Protagonisten im Kunstkontext und deren Rezeption. Das ZADIK hat begonnen eine TIPP-Liste zu diesem Thema auf dem Blog WITAM anzulegen, die ich Interessierten weiterempfehlen möchte.

verfasst von Ulla Hiltl

Literatur Zuschlag, Christoph: Analyse – Reduktion – Variation. Die Hommage im Werk von Vera Molnar. In: Vera Molnar – als das Quadrat noch ein Quadrat war …: eine Retrospektive zum 80. Geburtstag, Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen, 28.6.-22.8.2004, S.76-79. ZEIT ONLINE, dpa, phb: „Kunstmuseum Stuttgart ist Museum des Jahres 2021“, in: ZEIT online, 14.02.2022, URL: https://www.zeit.de/kultur/kunst/2022-02/museum-des-jahres-kunstmuseum-stuttgart-auszeichnung? (letzter Zugriff: 17.02.2022).

Ulla Hiltl studiert im MA Kunstgeschichte und Theorien und Praktiken des professionellen Schreibens an der Universität zu Köln und hat vom 01.10. bis zum 31.12. ein Praktikum im ZADIK absolviert. Sie schreibt Kurzprosa und findet eine Herausforderung darin, literarisches und wissenschaftliches Schreiben zu kombinieren.

Zitierweise: Hiltl, Ulla: „Rezension zur Ausstellung ‚zwischen system&intuition: KONKRETE KÜNSTLERINNEN‘, Kunstmuseum Stuttgart, 26.06.–17.10.2021“, in: Women in the Art Market, 19.09.2022, URL: https://witam.hypotheses.org/875.

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