Schlagwort-Archive: Literatur

TIPP! Literatur

Abschied von einer Legende

In seinem Beitrag „Abschied von einer Legende“ beschreibt Paul Ingendaay in der Frankfurter Allgemeine Zeitung das endgültige Ende der Galerie Helga de Alvear in Madrid, ein Jahr nach dem Tod der Galeristin. Über fast vier Jahrzehnte hinweg hatte Helga de Alvear den spanischen Kunstbetrieb maßgeblich geprägt. Lange blieb die Zukunft der Galerie ungewiss, nun steht fest, dass sich die drei Erbinnen nicht auf eine Nachfolgeregelung einigen konnten.

Ingendaay macht deutlich, dass das Wirken de Alvears eng an ihre Person gebunden war. Als Sammlerin, Philanthropin und Galeristin förderte sie die zeitgenössische Kunst in Spanien mit großem Engagement. Die Schließung der Galerie erscheint daher weniger als bloße organisatorische Entscheidung denn als Folge eines nicht ohne Weiteres fortführbaren Lebenswerks.

Zugleich verweist der Artikel auf Kontinuität an anderer Stelle: Das von Helga de Alvear gegründete Museo de Arte Contemporáneo Helga Alvear in Cáceres bleibt bestehen. Dort hatte sie 2021 einen wesentlichen Teil ihrer Sammlung öffentlich zugänglich gemacht und damit ein dauerhaftes institutionelles Vermächtnis geschaffen.

Mehr über die Hintergründe der Schließung und die Bedeutung von Helga de Alvears Wirken für den spanischen Kunstbetrieb erfahrt ihr im vollständigen Artikel.

TIPP! Interview

Kunst als Tor zur Welt – Gespräch mit Dr. Christine Würfel-Stauss

In der Interviewreihe „Private View: Gespräche mit Sammler:innen“ des Magazins der Art Düsseldorf spricht die Kunstsammlerin Dr. Christine Würfel-Stauss über ihre persönliche Beziehung zur Kunst, erläutert wie sie Werke auswählt und welche Rolle Museen und Kunstmessen in der zeitgenössischen Kunstwelt spielen.

Für Würfel-Stauss ist Kunst ein Tor zu einer fantastischen Welt, in der man die bewegendsten Erlebnisse haben kann. Gleichzeitig erlaubt sie einen klaren Blick auf Momente des menschlichen Zusammenlebens und des aktuellen kulturellen und politischen Umfelds.

Die erste Arbeit, die sie erwarb, war ein Werk des verstorbenen Künstlers Turi Simeti, eine minimalistische Leinwand aus der Zero-Bewegung der 1960er Jahre, bei der skulpturale Elemente mit Licht und Schatten interagieren. Prägende Erlebnisse in ihrer Jugend, etwa erste Berührungen mit Kunst bei der Documenta in Nordhessen, stärkten ihr Verständnis von Kunst als dynamischen, sich ständig verändernden Prozess. Bei der Auswahl von Werken orientiert sich Würfel-Stauss an institutionellen Ausstellungen, Galerien und intensiver Recherche. Sie sucht nicht nach einem bestimmten Thema oder nach Künstler:innen, die bestimmte Kriterien erfüllen, sondern will die Arbeiten im eigenen Kontext verstehen und idealerweise direkt mit den Künstler:innen ins Gespräch kommen.

Über Kunstmessen sagt sie: „Sie sind ein feiner Seismograph des Geschehens des Kunstmarktes, eine Mischung aus öffentlicher Bühne, globaler Vernetzung und kommerzieller Motivation”. Das Format einer Messe ermöglicht den Besuchenden, sich in kürzester Zeit einen Überblick über das Angebot des Kunstmarkts zu verschaffen. Gute Messen erweitern Perspektiven, insbesondere wenn sie Performances, Vorträge oder Diskussionspanels anbieten, die die gesellschaftliche und politische Bedeutung der Kunst sowie aktuelle Berührungspunkte zwischen Kunst, Technologie und Geopolitik aufzeigen.

Wie Würfel-Stauss Entwicklungen und Herausforderungen in der Kunstwelt einschätzt und welchen Rat sie an Personen richtet, die bislang wenig Erfahrung in diesem Bereich haben, erfahrt ihr im vollständigen Interview unter diesem Link .

TIPP! Literatur

Auktionsrekorde für Werke von Frauen. Der lange Weg zur Million

Im Monopol-Magazin geht Simon Elson in seinem Beitrag „Auktionsrekorde für die Werke von Frauen. Der lange Weg zur Million”, vom 1. Dezember 2025 der Frage nach, was hohe Auktionsrekorde für Künstlerinnen tatsächlich bedeuten und ob sie wirklich ein Zeichen für mehr Gleichberechtigung auf dem Kunstmarkt sind. Ausgangspunkt ist der spektakuläre Verkauf von Paula Modersohn-Beckers Selbstbildnis nach halblinks (1906), das im Berliner Auktionshaus Grisebach einen neuen Weltrekord für eine modernistische deutsche Künstlerin erzielte: eine Million Euro Hammerpreis.

Ein Blick in die Vergangenheit zeigt die historischen Ungleichheiten, die Modersohn-Becker zu Lebzeiten prägten – vom Ausschluss aus Kunstakademien bis zur Abwertung als „Malweib“. Das Werk Selbstbildnis nach halblinks blieb lange Zeit der Öffentlichkeit entzogen. Zunächst hielt die Künstlerin es selbst versteckt, später wurde es 1937 von den Nationalsozialisten in der Ausstellung „Entartete Kunst“ diffamiert. Anschließend gelangte das Werk in den Besitz des Unternehmers Walter Bauer, der es sorgfältig bewahrte und in bedeutenden Ausstellungen präsentierte. Die ab 1940 aufgebaute Sammlung Bauer gelangte schließlich über Diandra Donecker, die 2019 als Gesellschafterin die Leitung des Auktionshauses übernahm, zu Grisebach .

Auch der aktuelle Rekord wird im Lichte des strukturellen Gender-Gaps betrachtet: Trotz steigender Zahlen bleiben die Zuschlagpreise der Werke von Künstlerinnen im Marktvergleich weiterhin unter den erzielten Preisen der männlichen Kollegen, wie zuletzt der extreme Preisunterschied zwischen den verkauften Werken El sueño (La cama) von Frida Kahlo (54,7 Millionen Dollar) und Gustav Klimts Bildnis Elisabeth Lederer (236,4 Millionen Dollar) verdeutlichte.

Elson stellt fest, dass Rekordpreise weniger auf tatsächliche Gleichstellung hindeuten als vielmehr auf ein allmähliches Ringen um Sichtbarkeit. Sie seien das Ergebnis jahrzehntelanger kunsthistorischer Arbeit, engagierter Sammler:innen und institutioneller Wiederentdeckungen – von Paula Modersohn-Becker über Hilma af Klint bis Lotte Laserstein. Trotz der sich nur langsam verändernden Ungleichheitsverhältnisse wünscht sich Elson, dass diese Entwicklungen als Erfolge gefeiert werden. Denn „tatsächlich wird die sich schrittweise verändernde soziale Wirklichkeit von Geschmack und Geldflüssen vielleicht noch nicht am Endpreis sichtbar, aber doch im Modersohn-Becker-Bietergefecht”.

Mehr über die komplexen Hintergründe und gesellschaftlichen Dynamiken, die den Erfolg dieser Künstlerinnen ermöglichen und zugleich begrenzen, findet ihr im vollständigen Artikel.

TIPP! Literatur

Ein Rekord der Ungleichheit

Am 21. November meldete das renommierte Auktionshaus Sotheby’s, dass Frida Kahlos Gemälde El sueño (La cama) bei einer Auktion einen Zuschlagspreis von 54,7 Millionen Dollar erzielte. In dem Artikel „Ein Rekord für Ungleichheit“, der am 21. November in Die Zeit veröffentlicht wurde, reflektiert die Journalistin Justine Konradt, ob dieser Rekordpreis ein Zeichen dafür ist, dass Künstlerinnen auf dem internationalen Kunstmarkt die ihnen gebührende Anerkennung erfahren.

Laut Anna di Stasi, der Leiterin der Abteilung für lateinamerikanische Kunst bei Sotheby’s dokumentiert der hohe Zuschlagpreis, dass die “Anerkennung von weiblichen Künstlern auf dem höchsten Niveau des Marktes” angekommen sei. Betrachtet man jedoch, so Konradt, den anhaltenden Gender-Pay-Gap im Kunstmarkt, wird deutlich, dass die angestrebte Gleichstellung noch lange nicht erreicht ist.

Die Ursachen hierfür sind vielfältig. Eine 2017 von der Luxembourg School of Finance durchgeführte Studie, in der Teilnehmer:innen zunächst anonymisierte Kunstwerke nach persönlicher Präferenz bewerteten und sie anschließend entweder einer Künstlerin oder einem Künstler zuordnen sollten, zeigte etwa, dass 60 % der Werke Männern zugeschrieben wurden und dass gerade diese Werke die stärkste positive Resonanz erhielten. Als weitere Faktoren benennt Konradt die ungleiche Verteilung des Kapitals unter Kunstsammlerinnen und Kunstsammlern sowie das fortwirkende Genie-Narrativ.

Weitere Gründe für die anhaltende Ungleichheit findet ihr im vollständigen, kostenfrei zugänglichen Artikel unter diesem Link.

TIPP! Interview

Ingvild Goetz über ihre Sammlung und die nächste Sammler*innen-Generation

Im Rahmen der Interviewreihe „Private View: Gespräche mit Sammler:innen“ des Magazins der Art Düsseldorf spricht die Kunstsammlerin, Kuratorin und ehemalige Galeristin Ingvild Goetz über die Anfänge ihrer Sammlung, über prägende Erfahrungen im Kunstmarkt sowie über ihre Ratschläge für junge Sammler:innen.

Goetz’ Blick auf Kunstwerke und Künstlerkarrieren wurde maßgeblich durch ihre Zeit als Galeristin geprägt. Ihre Laufbahn begann 1969 mit der Gründung des Verlags art in progress für grafische Editionen in Konstanz, aus dem 1972 eine gleichnamige Galerie in Zürich hervorging. Nach Stationen in München und Düsseldorf bestand die Galerie bis 1984. Diese Tätigkeit vermittelte Goetz tiefgehende Einblicke in die Strukturen des Kunstmarkts und führte zu frühen Kontakten mit Künstler:innen, die bis heute in ihrer Sammlung vertreten sind.

Obwohl Goetz heute als Pionierin der Videokunst gilt, stand diese Kunstform zunächst nicht im Zentrum ihrer Sammlung. Ihr Interesse entwickelte sich mit den technologischen Fortschritten des Mediums und den immersiven Installationen, die eine unmittelbare emotionale Wirkung entfalten. Das erste Werk, das sie erwarb, war 1969 eine Grafikmappe von Eduardo Paolozzi. Für angehende Sammler:innen empfiehlt sie den Einstieg mit Papierarbeiten, da diese meist erschwinglicher sind und mögliche Fehlkäufe weniger ins Gewicht fallen. Entscheidend sei es aber, sich intensiv mit Kunst auseinanderzusetzen und ein eigenes Sammlungskonzept zu entwickeln.

Nach der Schließung ihrer Galerie 1984 widmete sich Goetz vollständig ihrer Sammlung. 1993 zog sie in das von Herzog & de Meuron entworfene Ausstellungshaus in München-Oberföhring, wo sie seither regelmäßig Wechselausstellungen kuratiert, die der Öffentlichkeit bei freiem Eintritt zugänglich sind.

Welche Herausforderungen und Perspektiven Goetz für ihre Sammlung in den kommenden Jahren sieht und welche Wünsche sie an die nächste Generation von Kunstsammler:innen richtet könnt ihr im vollständigen Interview unter diesem Link nachlesen.